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Visionados 'Cine y Televisión en España'
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Análisis de los visionados obligatorios de 'Cine y Televisión en España'
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soledadcastilla
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1. La bodega (1930), de Benito Perojo.Sinopsis: Fermín trabaja en las bodegas de la familia Dupont en Jerez, en unas
condiciones de miseria y explotación feudales. Su ahijado Rafael, herido en una operación
de contrabando, está al cuidado de la hija de Fermín, María Luz. Ambos se enamoran y se
convierten en novios. En uno de los excesos y fiestas del señorito Don Luis, éste se dedica
a cortejar a María Luz delante del propio Rafael, quien a su vez es acosado por la prima
del señorito, Lola “La Marquesita”. Durante la celebración de la cosecha, Don Luis
termina forzando a María Luz que, avergonzada, decide abandonar a Rafael sin darle una
explicación. Su padre se encarga de matar a Don Luis, huye gracias a Rafael mientras que
él vuelve a por María.
Análisis:
La bodega se inscribió, en 1905, en el ciclo de novelas sociales del Vicente Blasco Ibáñez, redactadas desde
una perspectiva obrerista y denunciando las injusticias sociales de su tiempo. En La bodega Blasco denunció
con acritud el despótico latifundismo andaluz, en el que participaban los bodegueros extranjeros, asentado
con la complicidad de la Iglesia católica, y se manifestaba en la implacable explotación social y sexual de
los amos sobre sus desvalidos siervos.
Se utilizan elementos autóctonos como la novela española, el folclore propio como los toros o las
sevillanas y la tradición pictórica con las pinturas negras de Goya, que muestran la decadencia de España y
como el ciudadano no puede hacer nada frente al poder de los dominadores.
El rodaje se efectuó en Estudios de París y en exteriores de Sevilla. Se rodó en versión muda, pero la
presión del cambio técnico hizo que en septiembre de 1929 se anunciara en la prensa que la película sería
finalmente sonora. Para ello se sonorizó a posteriori la película con discos gramofónicos, aportando una
música de fondo, dos canciones de Conchita Piquer rodadas en play-back, una canción con voz masculina
en off y por lo tanto asincrónica y una saeta también en off, que cabría la crucial escena de la
seducción/violación de la protagonista borracha durante la fiesta de la vendimia.
Perojo efectuó una obligada poda del texto en su guion, de modo que desaparecieron el revolucionario
Salvatierra y la huelga, elementos que solo podrían haberse presentado en el cine soviético. Conservó en
cambió los episodios de explotación sexual, pues le proporcionaban historias individuales con las que el
público de ambos sexos podría fácilmente identificarse.
La bodega resultó ser la película más soviética de Benito Perojo. Muchos detalles avalan la influencia del
cine procedente de Rusia, como el rótulo que dice “Don Pablo Dupont, el bodeguero más rico de toda
España”, seguido de un primer plano del prepotente bodeguero fumando un puro. Sigue otro letrero que
dice: “Sus dominios”. Y aparecen entonces planos generales y de detalle de sus trabajadores afanándose en
sus labores bajo un sol de castigo.
, Esta innegable influencia soviética se amalgamó con cierto aire de western, por sus abundantes
exteriores paisajísticos y sus elementos de acción violenta. Esto se ve plasmado en la escena inicial de la
película.
Una de las escenas más impactantes, en este aspecto, es aquella en que Luis Dupont elige, entre sus
trabajadoras, a chicas para su juerga privada, examinándolas como si fueran reses y tocando a las
seleccionadas con un puntero. Desde que salimos del salón, Don Luis y la marquesita aparecen en
contrapicado o en un plano superior a aquellos sirvientes que están en el sótano para hacer notar su poder
frente a los demás.
Además, elige a las chicas, los planos de nuevo en el salón son estables y la música extradiegética busca
celebrar la importancia de la comida caliente. En cambio, todo lo contrario en los sótanos: prima la música
intradiegética y los planos desajustados en el montaje alterno para mostrar la falta de armonía. Los barridos
de cámara de derecha a izquierda ponen en relieve el interés de la Marquesita en Rafael.
Ya dijimos que Perojo enfatizó los aspectos de explotación sexual y, en la escena de la
seducción/violación de María Luz borracha, en un atrevido efecto alucinatorio, Perojo hace que el seductor
se trasfigure ante sus ojos en su novio, subrayando el engaño.
Una de las grandes bazas espectaculares aportadas por La bodega fue su ambiciosa construcción
escenográfica. En la escena de la violación de María Luz antes comentada, que tiene lugar en el gigantesco
local de la bodega, las inmensas pilas paralelas de barriles forman dos líneas oblicuas que apresan en su
composición plástica a la protagonista acosada, al pie de las imponentes barricas, visualizando con su
,aplastante geometría el desamparo de la chica (el plano se repite al enumerar los dominios de Don Luis,
pero vacío), la pequeñez de los personajes y el poder de Don Luis cuando se queda solo en escena.
Las palabras que le dedica María Luz una de las noches a Rafael, “Te amo tanto que si un día me creyera
indigna de tu amor, huiría de aquí”, tendrán su sentido después de haber asistido a la escena anterior.
Además, pondrá final a la virginidad de María Luz con la desaparición de una figura de la virgen.
La música es muy importante en este momento. Empezamos con una música intradiegética y muy
animada, done Mari Luz toma un par de copa y es perseguida por Don Luis. Al entrar en su habitación, la
música cambia a extradiegética y acontece que algo importante va a suceder. Poco antes de que se consume
la violación, y con montaje alterno entre sótano y habitación, la música pasa a intradiegética para cantar
una saeta, cantar para redimir los pecados (en aquellos tiempo la pérdida de honra o virginidad de la mujer
era un pecado).
La bodega se convirtió en la película más famosa y celebrada de la carrera de Benito Perojo y fue
exportada a más de veinte países, incluyendo algunos africanos que jamás habían visto una cinta española.
En nuestro país provocó desconcierto entre algunos críticos, pues aunque formalmente su ambientación
andaluza la adscribía al denostado género de la "españolada", con su marco geográfico y sus convenciones
propias, era obvio que la trascendía con sus muchas novedades temáticas y estilísticas.
2. Morena clara (1936), de Florián Rey.
Sinopsis: Tras ser sospechosos del robo de un jamón, los hermanos Trinidad y
Regalito, gitanos, son llevados ante la audiencia de Sevilla. Allí serán acusados por un
severo fiscal, Enrique Baena, que no podrá evitar enamorarse de la guapa joven. Así,
Trinidad acude a casa del fiscal durante la fiesta de la Cruz de Mayo y cae en gracia a
doña Teresa, la madre de Enrique, quien exige que acoja a la joven en su hogar. Así,
Trinidad procederá a solucionar todos los problemas de la familia simulando tener
“magia gitana”. Ignorante Enrique con el hecho del dinero, le manifiesta su desprecio y
la echa de casa. Cuando Don Elías, su padre, le aclara lo ocurrido, Enrique pide perdón
a Triana y reafirma su compromiso de matrimonio.
Análisis:
Morena Clara es la película más taquillera en ambos bandos durante la Guerra Civil. En ella, se deja de
lado el romance entre diferentes estatus sociales para tener en cuenta las diferencias raciales: un juez o payo
y una gitana (se hace patente su estatus en sus palabras, en su manera de hablar y en su manera de vestir).
La película tiene tres escenarios claves: la calle donde delinquen los dos hermanos, la casa del juez y el
tribunal, donde se enlazan ambos mundos.
, Tiene un final ambiguo y sin afán revolucionario, y todas las posibles aristas y tensiones que pueden
causar problemas vienen aterciopelados en la temática amorosa y los celos.
El “star system” llega a nuestro país con esta película, y es que lo primero que vemos después del
logotipo de la productora es: “a Imperio Argentina en…”, con una tipografía en el mismo tamaño que el
título del filme.
Nos encontramos ante una película bastante rica, ya que a lo largo de la historia se nos presentan
numerosas panorámicas, zoom in/out y travellings que en ocasiones incluso atravesarán paredes
imaginarias. Vemos bastantes planos más cortos (sobre todo americanos) que en el cine realizado hasta este
momento, pero sobre todo planos medios o primeros planos de la protagonista.
Son varias las ocasiones en las que en un mismo plano cambia la profundidad de campo pasando a
enfocarse un personaje que se encontraba desenfocado en primer o en segundo plano. De igual forma una
de las cosas que más llamarán la atención en lo que a la composición de los planos se refiere serán los
parcialmente cubiertos por objetos desenfocados o incluso por otros personajes.
Las transiciones serán otro de los factores muy cuidados en Morena Clara. Los tradicionales fundidos
vienen acompañados por diversos tipos de cortinillas, manteniendo todas ellas una gran simplicidad y sin
sobrecargar la retina del espectador. Ya no se trata de un elemento excesivamente llamativo.
Alrededor del minuto 18 se da la escena del juicio. En estos planos, tanto el jurado como los fiscales
están situados en ligero contrapicado dado su situación superior en la sociedad. Mientras, los dos
hermanos (Trinidad y Regalito) están siempre enmarcados por los dos guardias civiles.
Los dos hermanos vienen caracterizados con el idioma muy coloquial, casi como un argot propio del
colectivo gitano, el acento, las pobres condiciones económicas que no les permiten tener un segundo
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