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ARTE E HISTORIA.
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Apuntes de la asignatura de Art i Història del grado universitario de Historia de la UB.
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marius195
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TEMA 0: La historia del Arte entre las ciencias humanas y sociales.El arte es una actividad creadora, humana y puede ser individual o colectiva. Los
artistas van a utilizar una serie de materiales para expresar ideas o pensamientos. En las
artes mayores (arquitectura, escultura) el creador forja la idea y la plasma en la creación
de su obra. Sólo en pintura, el mismo artista va a llevar a la práctica esa idea suya.
La historia del Arte va a buscar todos los elementos que no s van a dar las formas y
funciones originarias de la obra artística, objeto de estudio de esta disciplina.
La historia del Arte es una disciplina científica que se relaciona con otras ciencias,
dando lugar a la interdisciplinariedad.
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Historia
La muerte de Marat Jacques-Louis David (1793)
La pintura representa el fallecimiento en 1793 de Jean-Paul Marat, el escritor del
periódico radical L'Ami du peuple (El amigo del pueblo) y muy relacionado con la
facción jacobina durante el reinado del Terror. Marat fue apuñalado el 13 de julio de
1793, mientras escribía en su bañera, por Carlota Corday, que apoyaba a la facción
girondina, más moderada. Aunque la figura del propio Marat está idealizada - por
ejemplo, no se evidencia ninguno de sus problemas de piel que sufría-, los detalles
alrededor del modelo se consideran ampliamente verídicos. David dice que visitó a
Marat el día anterior a su asesinato y recuerda haber visto la sábana, la alfombra verde,
los papeles, y la pluma). El nombre de la asesina, Charlotte Corday, puede verse en el
papel que sostiene Marat en su mano izquierda. En este sentido, por muy realista que
sea en sus detalles, esta pintura, en su conjunto, es una construcción metódica que se
centra en la víctima, una composición llamativa considerada hoy por varios críticos
como una «terrible bella mentira» - ciertamente no es una fotografía en el sentido
forense y difícilmente la simple imagen que podría parecer. Primero y ante todo, por
supuesto, es un retrato del hombre asesinado. Pero hay más de lo que parece. La pintura
ha sido comparada a la Piedad de Miguel Ángel. Que David buscara, en el arte,
transferir las cualidades sagradas durante largo tiempo asociadas con la monarquía y la
Iglesia Católica a la nueva República Francesa es indiscutible. En consecuencia, pintó a
Marat, mártir de la Revolución, en un estilo que recordaba al de un mártir cristiano, con
la cara y el cuerpo bañado en una luz suave y brillante, pero tal como el arte cristiano
había hecho desde el principio. La obra se hizo en el verano de 1793 siendo el
abundante calor responsable de la rápida descomposición del cadáver de Marat que
causó grandes problemas para el funeral que David organizó. Por lo tanto, pocas veces
una pintura ha resultado tan paradójica, pues esta imagen polifacética es al tiempo un
retrato, una pintura histórica en el más alto grado.
Literatura
,La muerte de Sardanápalo Delacroix (1827)
El poeta inglés Lord Byron, uno de los emblemas del romanticismo, había publicado en
Inglaterra en 1821 un drama - Sardanapalus - traducido en Francia en 1822. Ciertos
historiadores piensan que Delacroix habría extraído su inspiración de él. El poema narra
el trágico fin de este legendario rey de Asiria, que, vio escapar su poder a consecuencia
de una conspiración, y eligió al rendirse, arrojarse en compañía de su favorita, Myrrha,
una esclava, a las llamas de una gigantesca hoguera. Delacroix parece haber retomado la
trama general del drama de Byron - Myrrha sería la mujer sobre la cama a los pies del
monarca -, pero parece, en cambio, que el holocausto de las mujeres, de los caballos y
del tesoro, lo extrajo de otro autor, Diodoro de Sicilia, que narra una escena análoga en
su Biblioteca histórica.
Filosofía
La Escuela de Atenas Rafael (1509-10)
La pintura de Rafael alcanza un grado sublime en esta obra, posiblemente la más
famosa de su producción. Cuando el espectador contempla el fresco en la Estancia de la
Signatura se introduce en el mundo clásico y aprecia el movimiento de los diversos
personajes pintados por Sanzio, obteniendo un insuperable resultado. La Escuela de
Atenas simboliza la Filosofía, situándose frente a la Disputa del Sacramento. El maestro
ha introducido la escena en un templo de inspiración romana, posiblemente siguiendo
los proyectos de Bramante para la basílica vaticana. Las figuras se sitúan en un graderío,
formando diversos grupos presididos por los dos grandes filósofos clásicos: Platón,
levantando el dedo y sosteniendo el "Timeo", y Aristóteles, tendiendo su brazo hacia
adelante con la palma de la mano vuelta hacia el suelo con su "Ética" sujeta en el otro
brazo, representando las dos doctrinas filosóficas más importantes del mundo griego: el
idealismo y el realismo. Ambos personajes dialogan y avanzan ante un grupo de figuras
que forman un pasillo. A la izquierda encontramos a Sócrates conversando con un grupo
de jóvenes; en primer plano aparece Zenón con un libro que sostiene un niño mientras
lee Epicúreo; sobre la escalinata se sitúa Heráclito, tomando la efigie de Miguel Ángel
por modelo posiblemente como homenaje a la decoración de la Sixtina; Diógenes
echado sobre las escaleras; a la derecha Euclides junto a sus discípulos midiendo con un
compás; Zoroastro y Ptolomeo con la esfera celeste y el globo terráqueo
,respectivamente. En estas figuras se ha querido ver la representación de las disciplinas
que componían el "Trívium" y "Quadrivium". Los diferentes grupos de personajes se
ubican de manera simétrica, dejando el espacio central vacío para contemplar mejor a
los protagonistas, recortados ante un fondo celeste e iluminados por un potente foco de
luz que resalta la monumentalidad de la construcción. En las paredes del templo
contemplamos las estatuas de Apolo y Minerva así como las bóvedas de casetones y los
espacios abiertos que dominan el edificio, creando un singular efecto de perspectiva.
Los colores son muy variados, utilizando brillantes tonalidades con los que refuerza la
personalidad de las figuras y la variedad y monumentalidad del conjunto. Con esta
imagen, Sanzio demuestra la superación definitiva de los modelos florentinos iniciando
su floreciente periodo romano.
Geometría
El hombre de Vitrubio Leonardo Da Vinci (1490)
El Hombre de Vitrubio es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de
Leonardo da Vinci realizado alrededor del año 1490 en uno de sus diarios. Representa
una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e
inscrita en una circunferencia y un cuadrado (Ad quadratum). Se trata de un estudio de
las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de
Vitrubio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el dibujo toma su nombre. También se
conoce como el Canon de las proporciones humanas. Las proporciones descritas por
Vitrubio son las siguientes:
-El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, mide una décima parte
de la altura total.
-La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide
exactamente lo mismo.
-La cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide la octava parte de todo el cuerpo.
-Una sexta parte mide desde el esternón hasta las raíces del pelo.
-Desde la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte.
-Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte (del rostro).
-La frente mide igualmente otra tercera parte.
-El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.
-El codo, una cuarta parte.
-El pecho equivale igualmente a una cuarta parte.
-El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En efecto, si se coloca un
hombre boca arriba, con sus manos y sus pies estirados, situando el centro del compás
en su ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los
dedos de los pies.
La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un
cuadrado: si se mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante
será la misma que se da entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos.
,La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del
pelo a las cejas es, en cada caso, la misma, y, como la oreja, una tercera parte del rostro
El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV
por Leonardo y otros autores, está considerado como uno de los grandes logros del
Renacimiento. El dibujo también es a menudo considerado como un símbolo de la
simetría básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo en su conjunto.
Anatomía
Diadumeno Policleto (s. V a.C.)
El Diadumeno es una estatua realizada por Policleto en el siglo V a. C. La estatua
original fue realizada en metal, seguramente en bronce, pero en la actualidad sólo se
conservan copias de piedra caliza y mármol. Representa a un atleta griego ciñendo en su
cabeza la cinta de la victoria, de donde procede el nombre διαδούμενος / diadoumenos,
«el que ciñe y desciñe», que deriva del término griego διαδέω / diadeo, «ceñidor o bien
ceñido». Aún está desnudo después de la competición y eleva los brazos para atarse la
diadema. La figura está de pie, en contraposto aguantando su peso sobre la pierna
derecha. Tiene su cabeza inclinada ligeramente a la derecha, contenida, como
aparentemente perdido en la vida divina. La estatua ilustra los principios enunciados por
Policleto en su canon: la altura total equivalía a siete veces la altura de la cabeza, que es
la longitud del pie apoyado. La escultura combina equilibrio y dinamismo, gracias a
una hábil conjunción de la torsión de la espalda y las caderas. El original del
Diadumeno no se conserva y tuvo que perderse en fecha temprana. La copia más
conocida se conserva en el Arqueológico de Atenas. Hay otras, como la del British
Museum de Londres, el Metropolitano de Nueva York y el Museo del Prado. []
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Iconografía
El matrimonio Arnolfini (J. Van Eyck, 1434)
, La iconografía es la manera cómo se presenta la imagen, el porqué de cómo se presenta
la imagen se denomina simbolismo. El cuadro de puede situar en la primera época del
Renacimiento Italiano. J.Van Eyck perfeccionó la pintura al óleo. Con las técnicas antes
empleadas las pinturas se deterioraban más rápidamente. Con el óleo, las escenas
quedan mejor plasmadas en el cuadro. La obra representa una especie de juramento
entre dos burgueses, van ataviados en hábitos nupciales.
El simbolismo
Pero, gracias, precisamente, a estos pequeños objetos, propios de una sociedad que vive
en la opulencia, el experto en Historia del Arte, Erwin Panofsky, logró desvelar el
significado de este cuadro: el cual interpreta como una alegoría del matrimonio y de la
maternidad. Para ello, nos desvela el sentido de multitud de detalles que,
aparentemente, carecen de importancia, pero que dan una nueva dimensión al cuadro,
algunos de estos pormenores son:
En primer lugar, la representación de los esposos, que es antagónica y revela los
diferentes papeles que cumple cada uno en el matrimonio. Él es severo, bendice o,
quizá, jura (fides levata) —en cualquier caso, ostenta el poder moral de la casa
(potestas) — y sostiene con autoridad la mano de su esposa (fides manualis), que
agacha la cabeza en actitud sumisa y posa su mano izquierda en su abultado vientre. Las
mismas ropas que llevan refuerzan este mensaje, y, a pesar de que la ambientación
sugiere un tiempo veraniego, lleva pesadas túnicas que revelan su alta posición
socioeconómica, el tabardo de él es oscuro y sobrio (aunque los remates de piel de
marta resultaban particularmente caros), y ella luce un ampuloso vestido, de colores
vivos y alegres, con puños de armiño (complementados con un collar, varios anillos y
un cinturón brocado, todo de oro).
Hay, en segundo lugar, multitud de objetos que aparecen sin justificación aparente, si
bien todo lo que contiene el cuadro proclama la riqueza de la joven pareja, desde la ropa
y los muebles hasta la fruta en el alféizar de la ventana. Lo cierto es que esta pareja
parece haber recopilado objetos de muchos países de Europa: Rusia, Turquía, Italia,
Inglaterra, Francia... Sin duda, Arnolfini, rico mercader, trabó amistad y negocios con
comerciantes de estos países. Las naranjas, importadas del sur, eran un lujo en el norte
de Europa por lo que simboliza la riqueza de la familia y la prosperidad económica que
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