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HISTORIA DEL ARTE: PINTURA BARROCA
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APUNTES MUY BUENOS A ORDENADOR PARA EBAU/EVAU
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HERAESTUDIANTE02
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Colegio CEU Claudio Coello Hª del ArteLA PINTURA BARROCA
1.- Características generales
(Técnica y soporte) Se generaliza el óleo sobre lienzo. Se emplea el fresco para la decoración de
bóvedas.
En cuanto a los temas, prevalecen los temas religiosos, que fomenten la devoción,
especialmente en los países católicos. También son frecuentes las escenas cotidianas y mitológicos.
(Aspectos formales) La pincelada barroca es suelta, larga y flexible (Escuela veneciana).
Prevalece el interés espacial, tanto paisajístico o arquitectónico, pero no está trazado con la claridad
renacentista. Se prefieren fondos atmosféricos y ambiguos. Los pintores se recrean en el juego de
luces y sombras. A ciertos autores se les llamará tenebristas, por representar una iluminación violenta
en contraste con zonas en penumbra. En cuanto a la composición, esta es dinámica: escorzos,
composiciones en diagonal, descentralización de la escena central. No tienen equilibrio ni simetría.
Algunas, incluso, se salen de los limites del cuadro.
(Aspectos informales). Es una pintura realista. El realismo se consigue a través de la
representación del volumen por medio de la luz y el color, el uso de colores naturales, el reflejo de las
impurezas del ambiente y la atmósfera y la captación de las categorías físicas humanas en toda su
gama, sin idealización. Se representa la vejez, la fealdad, la deformidad, lo trágico, las reacciones
violentas, el dolor… Por último, se trata de pinturas llenas de dramatismo y emotividad.
2. – Autores y obras más representativas
1.1. Pintura barroca internacional
1.1.1. Italia
Miguel Ángel CARAVAGGIO (1571-1610) es una de las figuras estelares de la historia de la pintura.
Era un individuo extravagante y violento. Introducido en delitos de sangre, fue apresado reiteradamente.
En 1606, tiene que abandonar Roma debido a un homicidio. Fallece en Nápoles, víctima de la malaria.
Pese a tales destinos, fue bien apreciado y tuvo mecenas importantes. Podemos distinguir tres periodos
en la obra del pintor:
Primer periodo
Pinta sobre fondos neutros y las figuras tienen una iluminación homogénea, sin grandes contrastes
(aún no es tenebrista). Instaura un tipo de cuadro sobrio, con pocos personajes. No hay preocupación
espacial. Algunas obras de este periodo son Baco (1596, Ufizzi), Muchacho del cesto de frutas (1593),
El tocador de laúd (1595) o La Buenaventura (1597).
Segundo periodo (1529-1606)
Los cuadros aumentan de tamaño. El tenebrismo adquiere su plena configuración a través del
claroscuro*, uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para
destacar algunos elementos de forma efectista. Situará un único foco luminoso fuera del lienzo. Sus
escenas se desarrollan en una realidad familiar y humilde, en la que introduce personajes ordinarios de
la calle (pobres y harapientos). Buscada una representación de lo sublime en lo más banal, lo que
causó una gran controversia.
Una obra reseñable de este segundo periodo es La vocación de San Mateo (1601, Iglesia de
San Luis de los franceses, Roma)1. Es un óleo sobre lienzo. Esta obra pertenece al ciclo de la vida de
1 FICHA, p. 276 del libro.
1
, Colegio CEU Claudio Coello Hª del Arte
San Mateo que le fue encargada para decorar la capilla [Contarelli] en la iglesia romana de San Luis
de los Franceses, donde aún se conserva. Es su primer encargo eclesiástico. Relata un episodio
recogido en el Evangelio (Mateo 9:9) que recoge cómo Mateo, hijo de Alfeo, y recaudador de impuestos,
deja todo para seguir a Cristo y convertirse en uno de los doce apóstoles.2 La luz que sale de la
claraboya y que recae sobre el Santo representa la Llamada de Dios que sorprende al santo mientras
juega con sus compañeros. Esta luz está remarcada por el brazo de Cristo, que también señala a
Mateo. Los personajes santos son gente corriente, y en esta ocasión, insertos en un ambiente
tabernario. No hay nimbos ni atributos significativos. Para esta capilla hizo dos cuadros más: La
inspiración de San Mateo y el Martirio de San Mateo.
En La Cena de Emaús (1602) se acentúa el efecto plástico por el avance de las manos, al paso
que la figura vuelta (recurso habitual en Caravaggio) invita al espectador a penetrar en el lienzo. Se
representa a los dos discípulos de Jesucristo – Cleofás y Santiago– en el momento de reconocer al
Cristo resucitado, que se había presentado como el viandante al que habían invitado a la cena. El
cuadro describe el momento en el que bendice el pan, acto que forma parte del sacramento de
la Eucaristía3.
Pintó La crucifixión de San Pedro y La conversión de San Pablo para la capilla Cesari en la
Iglesia de Santa María del Popolo (Roma). Impone una composición que insiste en las diagonales,
rasgo muy barroco, y busca el momento de mayor tensión. En caso de la crucifixión de San Pedro, el
momento en el que los sayones (soldados) están tirando de las cuerdas mientras San Pedro se
incorpora en la Cruz. Destacan la fuerte dramatización y asfixiante limitación del marco.
El cuadro La muerte de la Virgen4 (1606, Louvre, París) estaba destinado a la iglesia de los
Carmelitas Descalzos, pero fue rechazado por falta de decoro. Se suponía, por el vientre abultado que
presenta la Virgen, que el artista había tomado por modelo el cadáver de una mujer ahogada en el
Tíber. Algunos elementos compositivos, como el uso de la línea diagonal en la disposición del lecho y
el foco lumínico o el punto de vista en contrapicado aumentan la grandilocuencia y el dramatismo
escénico.
El entierro de Cristo (Deposizione) quizás sea la obra más monumental de Caravaggio.
Descenso desde la lamentación dramática de María de Cleofás hacia una emoción contenida de la
Virgen, que ocupa el puesto central, y hasta la muerte como el silencio emocional definitivo en Cristo.
Último periodo (1606-1610)
El dramatismo deja paso a una gran serenidad y melancolía. Son obras de gran concentración
dramática. Las figuras se pierden en el espacio del fondo, que se hace profundo. Algunas de las últimas
obras del autor fueron Martirio de Santa Úrsula (1620, Palacio Zeballos, Nápoles) y David con la cabeza
de Goliat (Galería Borguese, 1609-1610).
ANIBALE CARRACCI (1560-1609)
En Bolonia, los hermanos Carraci – Anibale y Agostino – fundaron una academia de pintura
que dio lugar a una corriente opuesta al naturalismo de Caravaggio. Tomando como modelo a los
grandes pintores renacentistas – Miguel Ángel, Leonardo–, crean un estilo clasicista que matiza la
realidad en su búsqueda de la belleza ideal y resucita las posibilidades del mundo mitológico y
alegórico. La naturaleza por la que se interesan los Carraci es un paisaje bello, sereno y equilibrado.
2 “Jesús vio un hombre llamado Mateo, sentado en el despacho de impuestos, y le dijo: “sígueme”, y Mateo se
levantó y le siguió”.
3 Lucas 24:13-35.
4 FICHA, p. 277 del libro.
2
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