Notes de cours
Art Moderne
- Cours
- La peinture en Europe
- Établissement
- Paris IV - Université Paris Sorbonne
La peinture en Europe, cours d'histoire de l'art
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CM Art Moderne 2 L2 HAA 2021-2022La peinture en Europe (1650-1750)
Introduction
Le choix de la chronologie 1650 - 1750, critique et remplacement des chronologies séculaires, qui ne mettent
pas en exergue l’importance de la charnière entre les siècles permettent de s’intéresser avec profondeur à
l’année centrale de 1700, qui représente une césure.
Entre le XVIIe et le XVIIIe siècle, les grandes places de l’art changent. En 1650, la capitale des arts en Europe est
Rome qui remplace Florence, qui était la capitale des arts européens au XVI e siècle. Mais, à partir de 1650, et
jusqu’en 1750, c’est Parisqui va supplanter Rome sur le créneau du principal pôle artistique du continent.
En 1650, la capitale des Arts est donc Rome, et les artistes s’y retrouvent pour copier des œuvres antiques,
comme le Laocoon ou l’Apollon du Belvédère. De plus, Rome permet de confronter ces œuvres aux toiles de la
Renaissance. Au milieu du XVIIe siècle, l’Italie est un centre de modernité, visible dans le décor du Palais
Barberini, réalisé par Pierre Cortone : Le Triomphe de la Divine Providence. Naissance du style baroque romain,
aussi perceptible dans Le Baldaquin du Bernin, à la chapelle Sixtine.
En 1750, la capitale des Arts se trouve à Paris. Ce changement de lieu premier rend compte d’une mutation,
d’une reconfiguration des styles, mais aussi des conceptions de la peinture.
Entre 1650 et 1750, une évolution stylistique est portée par deux artistes : Nicolas Poussin et François Boucher.
Poussin, peintre sévère dans sa peinture, représentant des sujets religieux, appelant à méditer, avec une
certaine dramaturgie dans la représentation. Il utilise une conception géométrique et pragmatique dans sa
peinture. Boucher a un coup de pinceau beaucoup plus rapide et beaucoup moins rectiligne. La colorimétrie est
beaucoup plus diluée et variée, qui s’oppose à la radicalité des œuvres de Poussin. Ces deux peintres ne
donneraient certainement pas la même définition de l’art de peindre, ni n’y associeraient la même fonction.
La peinture pour Poussin doit élever la pensée, et doit pousser à la méditation. Boucher, quant à lui, prône
l’apologie du plaisir, sa peinture servant à séduire l’œil et charmer le spectateur. Ce sont donc là deux
conceptions radicalement différentes.
Poussin avec sa Mort de Saphire (1650), présente une toile au style sévère et austère. Ses personnages sont
dramatiques, et placés dans un espace architectural défini. En parallèle, Boucher, dans Les Forges de Vulcain
(1757), travaille la touche, très légère. Leurs styles sont tout à fait opposés.
Nicolas Poussin, La mort de Saphire, 1650, musée du Louvre
François Boucher, Les Forges de Vulcain, 1757, musée du
Louvre
Poussin, au travers de ces toiles, rend hommage à l’Antique, et
cherche à élever l’esprit du spectateur. Boucher, au contraire, veut séduire, charmer le spectateur, afin de lui
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procurer du plaisir. Cette mutation dans la définition de ce qu’est la peinture à lieu en grande partie à Versailles,
haut lieu de culture, notamment par Antoine Coypel, Charles de la Fosse, ou Jean Jouvenet.
Rome : la crise de l’image
À la fin du XVIe siècle, le courant maniériste s’impose en Toscane, en Italie, puis déborde dans l’Europe, il envahi
tous les champs de l’art jusqu’au début du XVIIe siècle. Avec des représentants tels que Pontormo, Bronzino ou
le Cavalier d’Arpin. Le style maniériste est typique par une étrangeté artificielle de la couleur. Les corps sont
aussi artificiellement étirés, et contorsionnés. Les sujets maniéristes sont eux-mêmes étranges, l’iconographie
est détournée, ce qui traduit une certaine imposition du statut d’artiste. Les peintres se détournent de la nature
et des sources textuelles et créent leurs propres sujets. Le maniérisme se définit par des jeux de lumière, des
figures contorsionnés, déformées, mais surtout par des sujets complexes.
Entre 1542 et 1563, le Concile de Trente produit nombre de reproches aux Maniéristes, le principal étant qu’ils
ne respectaient pas assez la Bible. Leurs œuvres sont trop éloignées du texte sacré, comme le théorise le
cardinal Paleotti dans Discorso intorno alle imagine sacre e profane en 1582. On reproche également aux
œuvres du courant d’être répétitives. Ce style se met donc à s’étouffer à partir du début du XVII e siècle.
Les peintures maniéristes irrespectueuses des textes catholiques seront reprises par les protestants tout au long
du XVIème siècle. Des crises iconoclastes en découlent. Le concile de Trente, qui se tient entre 1542 et 1563,
voit un questionnement des religieux sur la façon de représenter des images sacrées. En 1563, le Pape veut
imposer le respect des textes sacrés, avec des messages qui puissent susciter de la passion, de l’émotion, et
aussi des images plus claires et plus naturalistes pour convaincre les croyants.
Crise de l’image à la fois religieuse et esthétique. Les artistes sont invités à peindre de sorte à se montrer
didactique, plus efficace et se montrer plus respectueux des textes sacrés. Reformulation de l’art autour de
1600 en Italie. Deux réformateurs majeurs qui vont répondre à la demande du cardinal Paleotti : Annibale
Carrache, qui établit une réforme de la peinture, et le Caravage, qui la révolutionne.
Carrache
Les Carrache proposent une réforme. Les Carrache sont au nombre de trois : Annibale, Agostino (frère aîné
d’Agostino) et Lodovico (cousin des deux autres). La famille fonde l’Académie des desiderosi, renommée en
academia dei incamminati par la suite. Cette académie est fondée à la même année à laquelle Paleotti rédige
son discours anti-maniériste. Trois principes sont émis :
- L’étude des grands maîtres : les Carrache estiment qu’on ne peut pas rompre avec la tradition des
grands maîtres ;
- Le refus d’une vision artificielle, et retour vers une vision naturelle, mais tournée vers la Bella Natura
- Le retour vers le dessin : les Carrache estiment que la nature et les corps doivent être étudiés par le
dessin.
La carrière de Carrache peut être découpée en deux périodes :
La période bolonaise, durant laquelle il étudie les grands maîtres de Parme
ou de Venise, il se rend également compte de son intérêt vivace pour la
nature. Il est formé par Prospero Fontana et Bartolomeo Passoretti. Durant
cette période, il peint des tableaux qui se veulent naturalistes, dans lesquels il
ne sélectionne pas les éléments à représenter. Il réalise en 1583 La Boucherie,
image très audacieuse, rareté du sujet. Porte attention à un nouveau type
d’images issues du quotidien. Comme Le mangeur de fèves, daté de la même
année. Scène de genre mais riche aussi en symbolique : Caractère biblique,
pain = eucharistie. Très rapidement, Carrache va se diriger vers des images de
la Bella Natura, avec des représentations de paysages naturalistes, mais Anibale Carrache, Le mangeur de
Fèves, c. 1580-1590
néanmoins recomposés de différentes sources. Le Paysage, de 1590 conservé
à Washington est très représentatif de cette période, est une recomposition d’un morceau de belle nature.
, CM Art Moderne 2 L2 HAA 2021-2022
Carrache est aussi un peintre de retables, pour lequel il demandait des prix très élevés, car Carrache estime que
la peinture a une très grande valeur artistique.
La Vierge à l’Enfant avec Saint-Matthieu de 1588. Éléments
naturalistes qui se caractérisent par une très grande ouverture
et une grande aération ; des corps, découlant d’une étude
poussée du corps humain et du fond paysage, allègement. Des
éléments s’inscrivent également dans la tradition
conformément à la peinture vénitienne, comme les grandes
obliques et les éléments verticaux en font partie (comparaison
avec Le mariage mystique de sainte Catherine de Véronèse). Il
médite aussi sur l’œuvre du Corrège, L’adoration des Bergers
avec les ombres adoucies sur le corps notamment.
Véronèse, Le mariage mystique de Corrège, L’adoration des Bergers
Sainte Catherine
Carrache s’inscrit donc dans la tradition en se revendiquant héritier des grands maîtres vénitiens et de Parme,
mais intègre ses propres éléments naturalistes.
La période romaine, durant laquelle il est appelé par Farnèse pour le décor de son palais, et durant laquelle il
va être confronté à l’art de Raphaël et à l’art antique.
C’est la notoriété qui amène Carrache à Rome en 1595, où il mourra en
1609. Il réalisera le décor du palais Farnèse, notamment la voûte de la
galerie, qu’il a réalisée seul entre 1597 et 1602. Cette galerie est une
énorme collection d’antiques, (notamment le fameux Hercules Farnèse).
Elle doit mettre en lumière cette collection d’antiques du Cardinale
Farnèse. La galerie mesure 20m par 7m.
L’iconographie est inspirée des métamorphoses d’Ovide, et représente les
amours des Dieux. Au centre, un grand décor représente le triomphe de
Bacchus, avec à ses côtés Ariane, qui est couronnée de sa constellation.
Hercules et Omphale ou Polyphème et Galatée sont aussi représentés. Les
différents cadres sont délimités par des structures architecturées feintes
par la peinture. L’artiste utilise la Quadratura (Effet d’illusion, trompe l’œil
de part la réalisation d’éléments architecturaux à la peinture) et les cuadri
riportati (les tableaux reportés, qui correspondent à des peintures
réalisées frontalement, tels des tableaux muraux). Le Sotto Insu s’oppose
Anibale Carrache, Polyphème et Galatée
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